Антон Ковач: «Периферия может быть и в центре Парижа, а Париж может быть в центре Ужгорода»

"С сожалением осознаешь, что все, что рождается на холсте, уже не твое. Но оно никогда и не было твоим. Ты пришел в мир, чтобы передать другим ощущение вечной красоты, которую находишь в тишине и, которую увидит и прочтет не каждый. Печально, но должны выбирать между иллюзией и реальностью ... "

(А. Ковач, каталог живописи "Между иллюзией и реальностью")

После беседы с известным закарпатским художником Антоном Ковачем, остается желание передать всем заинтересованным тончайшие детали мировосприятия этой творчески беспокойного и в то же время целостной, внутренне гармоничного человека таким образом, чтобы непосвященные читатели поняли и пережили их во всей сложности оттенков, не потеряв богатство глубокого, сакрального содержания личности творца.

Сегодня предлагаем читателям вторую часть интервью с Антоном Ковачем (первую часть читайте здесь).

- Много обычных людей не понимает смысл абстрактных полотен, их "иншомовности". Если бы Вам пришлось объяснять содержание абстрактной живописи "с нуля" человеку, который ничего в этом не понимает - как бы Вы это сделали?

- Очень трудно объяснить это человеку, не готова воспринимать абстрактную форму. Всегда есть место для спекуляций и в реализме, и в абстрактной форме. Если обратиться к развитию абстрактного, беспредметного искусства, которое началось примерно 120 лет назад, начиная от первых кубистов, и затем дойти до современности через русский авангард, мы видим, что все имеет свою логику. Сначала отказывались от одного, потом - от другого.

Например, цвет имеет разные символы. Имеет материальную, эмоциональную, объемную составляющую. Если человеку достаточно самого цвета, чтобы передавать суть, то этот цвет не обязательно должен нести предметность. На этой базе начали добавляться различные "измы": кубизм, футуризм и т.д..

Я мог бы посоветовать зрителю воспринимать современное искусство без воспроизведения предметности вещей так же серьезно, как воспринимается реализм. Современный человек не обладает столь большой нужды "питаться" реализмом. Она нашла другие интересные вещи, которые не обязательно передавать именно с помощью реализма. Это может быть просто цветовое пятно. Так, на уровне эмоционального абстракционизма работают некоторые современные украинские художники. Некоторые из них сознательно шел путем эпатажа, разрушения эстетики и воспроизведение анти-эстетики, чтобы "зацепить", заинтересовать зрителя, используя элементы агрессивности, жесткости, даже "порно", играя на многих других проблемах, привлекая в том числе фотографию, т.е. перерисовывая фото . Для меня это крайности.

- В качестве примера таких крайностей, пожалуй, стоит привести творчество Энди Уорхола, тоже нашего соотечественника?

- Кстати, насчет Энди Уорхола. Я периодически провожу своеобразную "ревизию", то есть определяю, какое я имею отношение к творчеству того или иного художника. Я думаю, что Энди Уорхол - это чистой воды пиар, очень удачная реклама. Наверное, он того стоит, но его искусство мне лично ничего не несет.

Мне лучше смотреть на "Черный квадрат" Малевича. Я думаю, что этот "квадрат" был началом тенденции, которую продолжил Уорхол. Не столько демонстрация высокой художественной мастерства, сколько отношение человека к своему искусству и до того, как его воспринимают другие. Все началось именно с "квадрата". Малевич первый из художников ХХ века, который в 1913 году сказал: посмотрите на себя так, как на вас смотрит этот квадрат. Технических особенностей в таком искусстве нет, все делается просто. Но на уровне самосознания и демонстрации себя, это было прорывом.

Проблема была не в том, как относится Энди Уорхол к искусству, а в том, как его "прочитали" и разрекламировали. "Опиум для народа". Всегда нужно придумать некий "опиум", зацепить людей, зрителей, и только потом они начинают понимать суть творчества. Сейчас цены на работы учеников и последователей Энди Уорхола (давно погибли от передозировки наркотиками) на аукционах "зашкаливают" - они продаются по 2-3 млн. долларов. Хотя художественной ценности эти работы не несут. Но они являются показателем развития именно такого направления искусства, дают "срез" эпохи его развития. Поскольку их покупают за шестизначные суммы - пожалуй, они того стоят. Но мне как художнику, оттуда взять нечего. А как человеку - мне такой эстетики не нужно.

Я двигаюсь в другом направлении. Я хочу развить свои идеи так, чтобы сохранить их содержание, не лишая их эстетики. Произведение должно нести какую эстетику. Возьмем за пример музыку. Мне лично ближе классическая музыка. Она несет мне глубину мысли и расслабление. "Попса" раздражает. И когда смотрю на эту "попсу" в одежде, в архитектуре, понимаю: я не готов служить ей, хотя 99 процентов людей выбирают именно ее.

Кстати, "попсы" хватает и в Париже, и в Гамбурге. Это международное явление. Необязательно мерить высоту неба над Парижем, то же небо можно найти, если подняться над Ужгородом. Периферия может быть в центре Парижа, а Париж может быть в центре Ужгорода. Все зависит от того, где находится уровень твоего "неба", твоей планки. Если тебе хватает примитива, если тебя радуют комплименты двух-трех людей, которые тебя окружают - значит, такая твоя "высота". Если ты чувствуешь творческое беспокойство, которое влечет тебя к развитию - надо двигаться вперед.

- Как Вы объясняете общественную тенденцию ценить художника только после его смерти? Это проявление какой общечеловеческой, неосознанной некрофилии или своеобразная ностальгия по тем временам, которые остались только в его произведениях?

- Понимаете, существуют стереотипы. Часть стереотипов живет и в этом выражении - художника начинают ценить после того, как его не стало. В какой-то мере можно говорить, что искусство должно "устояться" во времени и сознании людей, и только потом начинаешь понимать, что стоит переносить на последующие поколения. То есть, искусство проходит качественное "брожения" в сознании людей.

Когда автор много времени уделяет рекламе и все начинают думать, что эта реклама отражает качество его искусства - это самообман. Но есть и другой вид спекуляции: зная, что художник создает качественный продукт, его сознательно убеждают, что он не достоин признания, поскольку он является соседом, человеком, который живет неподалеку. Можно привести примеры. У нас есть люди, которые стоят гораздо большего. И наоборот: есть люди, которые очень разрекламированы, но стоимость их искусства на десять пунктов ниже.

Время - не гниющая субстанция, фактор, который раскладывает все по местам после того, как люди уходят в могилу. К большому сожалению, цена признание - смерть или жизнь. Но, видимо, так и должно быть. До Веласкеса признание пришло через 230 лет после его смерти. Что уж говорить о других! А у нас бывает такое, что художник с еще не подписанным работой бежит в люди и ждет признания.

Очень важна самокритика. Как сказал мой коллега, нужно выполнять свою работу с сознанием, что ты ее больше всего любишь. И после того, как ты выполнил работу с таким отношением - судья такой работе только ты. Много стереотипов в обществе царит за особенностей отношение художника к своей работе. Например, тот же "Черный квадрат", автопортрет Ван Гога с отрезанным ухом - они стали своеобразным брендом, викарбувались в сознании людей. На Закарпатье тоже были художники, которые хорошо жили, и те, которые умирали в нищете. Все это очень индивидуально.

Время расставляет все на свои места. В наше время каждый школьник может подробно рассказать об ошибках какого полководца во время военной кампании, потому что на расстоянии все видится лучше. И я не обижаюсь на тех людей, которые меня не понимают. Главное - чтобы я сам был убежден: то, что я делаю - не на один день, оно рассчитано на те поколения, которые придут.

Очень трудно постоянно поднимать планку. Как на спортсмена, на художника действует верхний предел, земное притяжение, много психологических факторов, которые очень трудно преодолеть. Поэтому для меня очень важно, если ко мне подходит молодой человек, который обращает внимание на мои работы. Это значит, что я заинтересовал молодое поколение, которым по 20 лет. Чтобы подняться, развиваться дальше, нужно изменить свое отношение к себе. Если же ты слишком любишь себя - ты начинаешь спекулировать этим желанием подняться и попадаешь в плен иллюзий.

Как преподаватель, я пытаюсь донести это до своих студентов, потому что они хотели бы развиваться и хорошо жить, но не хотят осознать и обрести трудом элементарные вещи. Они принадлежат к современному обществу, с его легким, поверхностным, потребительским отношением к жизни. Честно говоря, я не знаю, как с этим бороться. Нет действенных средств, чтобы вылечить молодых людей от этого недуга. Молодые люди подходят ко всему легкомысленно и считают такой подход правильным. Я же болею тем, что слишком серьезно подхожу к процессу творчества.

У нас мало специалистов в области искусств. Большинство произведений оценивается "на вкус" - одному нравится то, другому - другое. Был случай, когда человек начал понимать мою картину через год после приобретения. И она вернула ее, сказав: "Энергетически это твоя картина, она должна висеть у тебя, она не принадлежит мне". Это тонкая работа двух - автора произведения и зрителя.

С другой - часть энергии, вкуса, эстетики, окружавшие художника за его жизнь и остались на его полотнах - ищут реализации в последующих поколениях.

Очень странно, что молодые люди часто нуждаются эффекта, или фрагмента "ностальжи". Ведь, чтобы было что вспоминать - нужно прожить жизнь. Поэтому и ценность, которая зафиксирована в полотнах всегда желанна, необходима. Но нередко бывает, что люди, испытывающие "ностальжи" могут жить, например, в грязном городе. Казалось бы, они должны лечить ностальгию, создавая соответствующую среду себе, то есть гармонично сочетать внутренние переживания и внешний мир. Все начинается с самого себя.

У нас есть художники, которыми мы гордимся, известные на всю Украину и Европу. Они прожили содержательную жизнь, сделали ценный вклад в культуру живописи. Много есть и таких, которые понимают все эти факторы, но своего творчества не пропагандируют. Но время идет, и если не смотреть на часы, вдруг замечаешь, что уже никого нет. Вот недавно вышел сборник "100 художников Украины", - а там нет ни одного украинского!

Процесс становления наших художников, художников проходит в целом нормально, но с большим налетом периферийности. Мало выставок, которые заезжают из центра, мало возможностей общаться с молодым поколением, школьниками, объяснять им, как понимать ту или иную абстрактную форму, в чем разница между ними, как ее читать. Ведь можно и китайский язык воспринимать, как графика. А на самом деле - там содержание. И на этом вакууме делаются спекуляции.

Как легко заблудиться среди трех деревьев, ища смысл творчества и жизни! Легко заблудиться, если ты спекулирует на известности. И если понимаешь, зачем тебе дана небом эта миссия - тебе это ощущение отрезвляет. Я принадлежу к людям, которые постоянно сомневаются. А может не надо столько сложностей? Может, людям достаточно показать один символ, а вокруг - какие красивые фактуры, и этого будет достаточно?

Я никогда не хотел принести в жертву классику. Мне трудно представить развитие искусства, которое не базируется на эстетике классики. Классика для меня - это святое. Это не значит, что нужно "перерисовать" ту классику. У нас, в Карпатах великолепная этнографическая база. Сами горы годами ждут, кто их напишет, кто о них расскажет? Они - как музыка Баха, которая вызывает мороз по коже, когда ее слышишь. В этой базе этноса - спрятано много интересного.

Но это не значит, что надо погрязнуть в фольклористике: нарисовал национальную одежду - и ты уже считаешь, что решил этнографическую проблему. Нужно прибегать к переосмыслению в современном контексте. Навязывать современному человеку дешевые этнографические симпатии - это бесполезная работа. Особенно это чувствуется, если тебе предлагают приехать с выставкой в ​​Киев или Париж. Ты понимаешь, что там никого не удивишь изображением этнографических мотивов. Они ждут оригинальности, аутентичности, им интересно увидеть: что же там за племя такое живое, чего они хотят? Но чтобы передать это - требуется высокий уровень культуры. А откуда его брать? Не из американских "попсовых" сериалов, конечно.

Сейчас я, например, делаю коллаж, где наша традиция и миф, пропущенные сквозь античную мифологию. Это не значит, что если я рисую кентавра - он должен быть изображен с нашими национальными признаками. Нет, он - в сознании нашей! То есть не сам, а осознание его бытия.

Я пытаюсь нарисовать не тот пейзаж, который мы видим, а ощущения, которые мы пережили, созерцая пейзаж. Поэтому в современном мире нужно идти такой дорогой, где этнографический материал и декоративное искусство - вышиванки, писанки, керамическая посуда - должен использоваться не путем спекуляции на их изображениях, а на воспроизведении их глубинного смысла. Через символ обратиться к зрителю, и напомнить ему: ты принадлежишь к этому этносу! Ведь величайшей глупостью было бы обрезать корни народа, человека.

Так же, как дерево, человек не может жить без корней. А вот "декорировать" крону и развивать ее - это мудрость. Это говорят и ученые, и литераторы, и духовные люди. Ведь искусство - это прежде всего часть духовности.

Ранее церковь имела прерогативных право на духовные ценности, она была заказчиком произведений на эту тематику. Тяжело представить, чтобы в то время кто рисовал натюрморты. Первыми начали это делать голанци. Рисовали в основном святых, изображали библейские сюжеты, учили людей духовности на этом. Теперь функции искусства больше, монополиста в этой области нет.

Мне трудно представить, чтобы люди в нашем городе, в наше время оставили все дела и пошли при случае смотреть на какое изобразительное чудо. Некоторые мои студенты даже не желали смотреть работы Манайло, хотя лично для меня, Манайло - чудо. Даже через 100 лет этническая база, которую собрал этот художник, формы, в которой он ее изложил, остаются ценными. Я не знаю, с какой стороны подступиться к творчеству Манайло, чтобы сказать: я знаю, как приблизиться к его уровню. Потому что много времени уходит на переосмысление.

Мои современные студенты не чувствуют такой внутренней потребности. Навязать это я не могу. Это - диагноз. Но они не хотят идти в аптеку, чтобы лечить этот диагноз. Они имеют свою дорогу. И тут я понимаю, что на мне замыкается некая часть культуры, которая идет от моих учителей. Мои учителя и я радовались тем, что они могут дать что-то хорошо, а я - взять. А нынешние студенты ожидают, что знания не просто положат на стол, но им в рот. Институт не дает гарантии оживить искусство новыми талантами. На улице иногда бывает больше образованных людей.

- В чем загадка гениальности художника? В прорыве, новом слове, в творчестве или в упорном труде и правильном применении уже устоявшихся методов? И возможно ли в современных условиях сделать прорыв, открытие в творчестве?

- Это большая загадка. Я думаю - да, прорыв возможен. Если бы не было такого шанса, мне бы вообще неинтересно было заниматься этим. Я должен жить таким ожиданиям. В контексте Украины или всего мира всегда есть феномены, которые "прорывают" искусство, причем не "благодаря", а "вопреки". В творчестве каждое последующее поколение не понимает предшественников и пользуется скорее интуицией.

Представляете, насколько трудно человеку, который пришел со стороны и пользуется логикой, исследовать алогичную, интуитивную творчество? Ей нужно объяснить все поиски, сомнения. Интуиция здесь очень важный фактор. С научной точки зрения интуиция - это сплав знаний, подсознания и многих других факторов. Раньше я не доверял своей интуиции, больше полагался на рационализм. Искусство страдает от этого. В процессе выполнения работы нужно помнить о рациональном, но творить желательно на интуитивном, эмоциональном уровне. Если у тебя есть дар, он проявляется именно на таком уровне, кладется на основу. И тут солгать он не даст.

Можно солгать словами, но не на уровне творчества. В творчестве ты такой, какой есть. Гениальные люди при рождении "наследуют" от Бога некую энергию. И потом через свой труд интуитивно ищут в темной комнате те двери, которые ведут к изобретению в искусстве. Им никто не подсказывает, куда идти. Их могут даже осуждать, говорить, что они не правы.

- Встречались ли вам люди, которые проявили свою гениальность неожиданно для всех в зрелом возрасте? Допустим, человек живет долгое время, даже не пытаясь заниматься творчеством, и тут в один прекрасный момент берет в руки кисти - и рисует шедевр?

- Есть масса таких примеров. Но природа сбалансирована таким образом, что такие проявления гениальности, таланта угасают затем очень быстро. Человек или трагически погибает, либо разочаровывается. Таких примеров очень много.

Есть и другие люди. Например, человек при жизни вытесана из мрамора двухсот статуй. Каждая из них не является гениальной сама по себе, но если подумать - двухсот статуй! Это вызывает уважение. Есть люди, которые при жизни проходят через осознание своей гениальности. Но в разговоре с ними я этого не чувствую, хотя могу понимать, что он гений. Протянул линию - и уже гениально!

Например, я был на выставке Пикассо, который, кстати, никогда мне особо не нравился. Но я получил большое удовольствие от его графики 20-50-х годов. Это были очерки с помощью туши и пера, которые потом собрали в коллекцию. Видимо, он утром, за кофе делал некую "гимнастику". Я попытался делать то подобное. Но у меня все начало разваливаться. То есть, он рисовал неправильно - но оно держится. Я малюю все правильно – але нічого цікавого не виходить. Геніальність Пікассо розумієш тільки після того, як сам спробуєш створити щось подібне.

Матіс (ще один геніальній художник, якого я просто обожнюю) у роздумах про мистецтво характеризує суть процесу так: у всьому, що створює талановитий художник, процес творчості йде від предмета до символу. Тобто, все, що нас оточує – предметний світ – повинен перетворюватись через роздуми, через талант – у символи часу. Якщо ти це знайшов – ти художник. Якщо ні – ти тільки намагався ним стати.

Замало просто констатувати голу естетику. Поруч з нами є геніальні люди. Але у нашій уяві геній не може жити по сусідству. Наприклад, мій сусід має дачу поруч з дачею Петра Скунця. І вважає так: хіба Петро Скунць може бути хорошим поетом? Він же тут, поруч, живе звичайним життям, спить на цій дачі!

Виталий Голуб, Вся Закарпатская Правда